José Ramón Amondarain investiga el proceso del 'guernica'

Exposicion Tiempo y Urgencia José Ramón Amondarain busca bucear en el proceso de creación del Guernica de Picasso. Hasta ocho pasos del icono pictórico del siglo XX desvelan, desde las fotografías tomadas por Dora Maar, cómo creció el lienzo en su febril proceso de arte necesario e instantáneo, ése que suele estar preñado de la autenticidad de las emociones.Hasta ocho pasos del icono pictórico del siglo XX desvelan, desde las fotografías tomadas por Dora Maar, cómo creció el lienzo en su febril proceso de arte necesario e instantáneo, ése que suele estar preñado de la autenticidad de las emociones
. Se palpa el tiempo que flota entre las telas, entre los dibujos que crecen, emergen y desaparecen en cada salto. El tiempo que tardó Picasso en lanzarse al blanco y acometer el traslado de la rabia y la denuncia, para ser mostradas en la Exposición Internacional de París.Esa urgencia es innegable y, además, llega subrayada por un guiño en forma de pirueta semántica. Porque, si bailamos las letras del sustantivo Guernica, emerge inevitablemente la palabra urgencia, un anagrama que parece una arista más, un reflejo más en la poderosa ventana que sigue ofreciendo el cuadro, "una obra muy poliédrica y muy compleja, que trata de muchísimos temas", explica el director de Artium y comisario de la muestra, Daniel Castillejo.
"¿Qué pasó?". Ésta es la pregunta que trata de responder la investigación metapictórica que Amondarain emprendió en una gran nave de Astigarraga, un proceso que le devolvió al mayo del 37 y le permitió meterse en la piel de un artista que siempre le ha interesado. Aunque le costó asimilar la propuesta que contenía la llamada de Castillejo. "La primera impresión fue rara, porque no sabía a que se refería, no pensé nunca que iba a pintar ocho Guernicas", recuerda, reconociendo la necesidad de "ralentizar la mirada" para acometer la recomposición de un cuadro enormemente natural en su concepción, a pesar de esos múltiples atributos, símbolos y resonancias -empezando por su rotunda composición estética- que le han otorgado su carácter universal. "Su ideología constructiva es muy lógica, no hay ruidos; ha sido un proceso de asentimiento al decapar el cuadro y poder ir advirtiendo los cambios".

Uno de los primeros lienzos de la progresión pictórica.

De alguna manera, lo que propone la exposición -con un poso de instalación- es "meternos por primera vez dentro de ese proceso mental, que el público tenga la experiencia física, sentirnos pequeños ante este trabajo", apunta Castillejo, que también matiza la diferencia de diez centímetros que media entre las dimensiones del Picasso del Reina Sofía y los Amondarain de Artium, manteniendo una misma sensación física pero evitando que se pueda entender que existe una intencionalidad de falsificación, réplica o reproducción.No queremos hacer un juego de diferencias, sino que el público se vaya metiendo en la obra", explica el director del centro, que además del recorrido cronológico -del primer abocetamiento al carboncillo a su representación final- propone la opción inversa, "ir desandando el Guernica y quitándole capas", un análisis en el que se puede ver cómo elementos nacen, se ocultan e incluso se entierran -o descubren, en función de la dirección-, explicando las emociones y afanes creativos que guiaron los trazos de pincel y collage en la rue des Grands Augustins de París, presente en Artium en la colección de guaches -no son instantáneas, aunque lo parezcan- que dibujan los disparos de Maar.

Christine Etchevers

Pintora nacida en Bayonne (Lapurdi) el 15 de noviembre de 1953, vive y trabaja en Cambo-Les-Bains. De 1970 a 1975 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Burdeos. Pintora abstracta, a veces figurativa con una libertad que rechaza toda restricción. La investigación más contemporánea tratada con mucho color. La evolución de su trabajo se manifiesta sobre todo en la diversificación de los soportes: tela, papel kraft y papel de periódico, piedra o porcelana

"Sus pinturas resuenan en el espacio lo mismo como murmullos de color, de golpes de gong o de tam-tam"

(Marc Hérissé)

Desde 1978 expone individual o colectivamente. En 1989 obtuvo en Biarritz el Primer Premio de la Jeune Peinture Française y la copa Imagination de la Academia Europea de las Artes. Otros galardones: Medalla del Salon Toulouse-Hispania, Medalla de Plata de la Ville de Toulouse, Medalla de Plata de la Ville de Bordeaux y el Premio de la Academia Europea de las Artes.
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Esther Ferrer

(Donostia, 1937). Esther Ferrer es conocida por sus performances, su principal forma de expresión que realiza individualmente o formando parte del grupo ZAJ (hasta su disolución en 1996). A principios de los años 60 creó junto con el pintor José Antonio Sistiaga, el primer Taller de Libre Expresión y una Escuela experimental en Elorrio (Vizcaya). A partir de mediados de los años 70, recomienza su actividad plástica con fotografías trabajadas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos, objetos etc.

: ¿Cómo empezaste en la performance?

Esther Ferrer: Yo formaba parte de una asociación artística en los años 60 y desde allí intentábamos hacer algunas actividades durante la época del Franquismo. Junto a Antonio Sistiaga (San Sebastián, 1932) creamos un taller de libre expresión infantil. Un día me dijo que había unos amigos suyos que hacían cosas muy diferentes, que en la época se llamaban acciones (y que luego se popularizó bajo el nombre de performance), y que estaban buscando una mujer para hacer algo y me preguntó si yo quería hacerlo.

Entonces, José Luis Castillejo, Juan Hidalgo y Walter Marchetti, que formaban el grupo Zaj, vinieron a San Sebastián. Me encontré con ellos, para que me explicasen más o menos de que se trataba. Yo ya conocía un poco del grupo FLUXUS, y del happening, entre otras cosas, así que me interesaba trabajar con ellos. Fue así de simple.

TAP: ¿Qué es la performance? ¿Podrías definirla?

EF: Voy a dar una definición, pero dar una definición siempre es reductible. Es el arte del tiempo, del espacio y de la presencia. Así dicho suena bien, aunque en realidad esta definición se podría aplicar a otras artes. Personalmente, una vez que tengo el concepto, la idea de una performance, la organizo en función de estos tres parámetros. El tiempo, para mí, es muy importante en la performance como en el trabajo plástico. El espacio también te condiciona y, por último, la presencia del que hace la performance, aunque no es inevitable, pero sucede que prácticamente está siempre. La persona que hace la obra y la que la presenta es siempre la misma.