Azucena Vieites

San Sebastian 1967
la artista lleva más lejos de lo habitual en su trabajo la búsqueda de posibilidades no narrativas, explicativas o descriptivas del dibujo como único medio expresivo. La duda quizá sólo tenga como respuesta: “según”. Lo cierto es que Vieites parece querer anular el poder de la imagen por sí misma (las connotaciones surgidas de enlazar sentidos a partir de una forma cerrada) para concentrarse en esa idea pura, en la esencia que se pone al alcance de la mano con el hecho en sí de deslizar el rotulador sobre el papel, o que surge a partir del dibujo abstraído de una figura o referencia visual exterior. Una idea pura que es una interferencia repentina, una línea discontinua, puntos que hay que unir y no una referencia a la realidad visible.Siempre parece que reconozcamos algo dentro de la obra de Vieites ya que está cargada de imágenes del mundo que la/nos rodea, como paisajista del siglo XXI toma sus referencias en lo que ve, de las situaciones que la envuelven. Reutiliza, se apropia y reinterpreta el mundo visible explorando el contacto entre la práctica artística y otros discursos creativos, como la moda, la música o el denominado territorio "underground".

Itziar Barrio

Dora Salazar

Dora Salazar 1963 Alsasua tiene su taller en un antiguo caserío en el corazón de Alsasua, su pueblo natal. Vive en Bilbao y cuando siente necesidad de crear se retira a Alsasua. Es allí donde trabaja. Esta escultora es uno de los estandartes más singulares del arte en el Estado. Su trabajo ha sido ampliamente galardonado. Dueña de una gran capacidad creadora, Dora ha sabido pertrecharse de una sólida personalidad. Mediante un sentido irónico y un énfasis corrosivo y crítico fuera de lo común, ridiculiza costumbres y valores del modelo de vida contemporáneo. Sus piezas son livianas, sin peso, pero con gran impacto visual. En su obra manifiesta una profunda preocupación por la mujer y la femineidad. Es por ello por lo que su nombre ha sido ligado al de renombradas artistas como Katharina Fritsch, Hannah Collins o Rebecca Horn. En su última colección "Heroínas ficticias", Dora crea un escenario donde viven personajes de una irrepetible obra teatral. Estos personajes tienen vida autónoma y nos traen al recuerdo los robots de Pistoletto.
Tengo 36 años y llevo trabajando en esto más de doce años. Las premisas se han ido acumulando durante estos años. Desde mis inicios mantengo unos parámetros pero a través del tiempo han ido surgiendo otros nuevos. A nivel plástico o puramente representativo hay unas constantes. Lo precario me interesa, lo precario pero con fuerza, es decir, la dualidad entre la fuerza y la inestabilidad; la tensión y la armonía entre las cosas. Sobre el acabado no puedo decir lo mismo, ya que al principio era más osada y zarrapastrosa. Ahora con el tiempo me estoy volviendo más esteta. Luego el espacio lo voy alternando. A veces es como algo que los objetos no necesitan y otras veces es algo muy importante. En cuanto a la temática, he de decir que con mi trabajo me gusta contar cosas. No me gusta la idea del arte por el arte. No me interesa sólo el punto estético. En éste sentido también hay elementos que se repiten. Por ejemplo, ahora me veo trabajando con el cuerpo y la figura pero mis primeras piezas también eran figuras. Entonces eran más teatrales, más esperpénticas, una especie de marionetas. De cualquier manera lo humano estaba ahí. Luego, suelo intentar jugar con lo privado y lo público. A veces hablo de mí y proyecto hacia fuera. Otras, sin embargo, cojo cosas de fuera e intento interiorizarlas. Por otra parte, en lo que se refiere a mi pequeña historia, puedo decir que el mundo del trabajo, es decir, los ratos que estás en el estudio, maquinando, creando, esos momentos son para mí tan intensos o más intensos que la vida misma. Supongo que si sigo trabajando también es por eso, porque la vida que tengo ahí dentro es comparable a la que puedo encontrar fuera. De todas formas, soy consciente de que la vida supera a la ficción en la que trabajamos, pero hay momentos en los que sientes que en tu trabajo hay algo más.
"Tener alas no es necesariamente volar" de Dora Salazar

Un artista vasco a Venecia

El cine no es una magia, es una técnica y una ciencia, una técnica nacida de una ciencia puesta al servicio de una voluntad: la voluntad que tienen los trabajadores de liberarse." Asier Mendizábal

Asier Mendizabal (Ordizia, Guipúzcoa, 1973) vive y trabaja en Bilbao. Estudiante en la Universidad de Bellas Artes de País Vasco (1996), obtuvo una beca de residencia en de-Ateliers, ámsterdam (2000). Ha estado presente en importantes colectivas como Cine y Casi Cine (Museo Reina Sofía, Madrid, 2003), Después de la noticia (CCCB, Barcelona, 2003), Manifesta 5 (San Sebastián, 2004), 2008 MACBA su primera individual .

2011.Una exposición individual en el Reina Sofía, que terminó el pasado 1 de mayo, le ha dado a su obra una privilegiada visibilidad, reforzada por la compra del museo madrileño de seis obras suyas en la última feria de Arco, en la galería Carreras & Múgica de Bilbao. Días antes de que acabara la muestra le llegó una noticia inesperada. De las que aceleran el corazón: su selección para la Bienal de Venecia, que empieza el 4 de junio, un hito en la carrera de cualquier creador. Es el único español elegido por la comisaria de esta edición, Bice Curiger.
Mendizabal trabaja en el mismo estudio que cuando terminó Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, en 1996. Y lo comparte con casi los mismos compañeros que entonces. Situado en un edificio industrial del barrio bilbaíno de Larraskitu, tiene un mobiliario muy rockero: una batería y un amplificador, ambos pintados, y al menos una guitarra con su funda. En ese espacio, el artista y sus amigos organizaban unas jornadas de documentales sobre músicos, desde Bob Dylan hasta los más cañeros. «No éramos más de veinte, pero lo pasábamos bien», recuerda este creador, que ha aludido en varios de sus trabajos a la «subcultura» del punk.

Mikel Lertxundi

Mikel Anjel Lertxundi Argoitia nace en la localidad vizcaína de Berriatua el 29 de enero de 1951. Nace un niño que jugará fabricando sus propios juguetes con madera, cartón, etc. y construyendo escenarios de juego con arcilla, previamente extraída en el campo. Nace un niño que sueña ser artista y que con tan sólo 11 años se cuestionará el "cómo vivir del arte".

o describiría el mundo mediante tres circunferencias concéntricas: en el núcleo, de color más intenso, el del hierro, incluyendo aquí todos los metales; a continuación más clara la de piedra y por último el que constituye la vegetación o dicho de un modo más simple y cercano a la escultura, la de madera.

Dondequiera que se necesite una base resistente, allí está la piedra. Cuando se necesita fuerza, en cambio, el hierro. Y para calentar y templar el entorno, la madera.Estos tres son siempre acompañados del agua, del aire y del fuego–representantes de la creación y destrucción– las constantes de nuestra existencia. Creación–Destrucción=Principio–Fin=Alfa–Omega. He aqui la clave de nuestra existencia.

Nada es sólo, nada más que algo. En cambio, con los complementos adecuados puede llegar a ser un todo.

La vida es una balanza que necista del equilíbrio.

Con un sólo elemento nunca es posible el equilíbrio.

La Naturaleza es equlibrada de por si. Somos los hombres los que con ignorancia (sobresabiduría) y despreocupación la desequilibramos.

Mikel Lertxundi.

Cristina Iglesias

Cristina Iglesias Fernández Berrido; San Sebastián, 1956) Escultora y grabadora, premio Nacional de artes plásticas .

Sus obras reflejan un vocabulario estético basado en el uso de diferentes materiales (hormigón, alabastro, resina, hierro, cristal, a veces combinados con motivos vegetales como el bambú y la hojarasca) y diferentes técnicas (bajorrelieve, tapiz o serigrafía en gran formato, sobre seda y cobre), y delatan el interés de la artista por el espacio, la arquitectura, la literatura y la geología. El contraste de texturas y materiales, así como la relación que éstos establecen con el espacio, son dos de las constantes en su trayectoria.“Descubrí conceptos de escultura mucho más abiertos, menos clásicos de los que yo conocía -son los años de la denominada «nueva escultura británica»-. Entonces comenzaban a tener presencia Tony Cragg, Anish Kapoor, y también Reinhardt Mucha y otros artistas en Alemania. Fui conociendo a muchos de ellos, pero aun así me mantuve al margen. Siempre he sido una persona lateral.”

Aitor Lajarin

http://www.aitorlajarin.com/

El trabajo de Aitor Lajarin (1977) se desarrolla principalmente en el ámbito de la pintura pero con una actitud abierta a otros medios, como la fotografía y el video, así como diferentes tipos de materiales y técnicas. En general su obra gira en torno al triángulo: "lugar, acción, personaje" creando pequeños fragmentos narrativos que a su vez forman conjuntos más amplios en los que el espectador busca claves para la comprensión de la obra, de su propio contexto sociocultural y punto de vista personal.
Licenciado en bellas artes por la UPV, la trayectoria de este pintor ha estado respaldada por numerosos premios. Lajarín ha recibido una beca del Artium por valor de 18.000 euros destinada a realizar proyectos fuera del País Vasco y el pasado año fue seleccionado por el Gobierno Vasco para la exposición Gure Artea. Otro de los galardones con los que cuenta en su haber, es el primer premio de pintura Juarena Art, de Barcelona.
En su exposicion en Victoria Gasteiz propone un ejercicio de deconstruccion 'Lost' y utilizando como soporte la fotografía, el vídeo y la pintura de diferentes formatos, este artista vitoriano muestra al público un proyecto formado por diferentes elementos en los que resulta difícil encontrar el argumento.
Sin embargo, Lajarín al ejecutar esta obra no pretende que el espectador quede perdido en su universo creado, sino que busca que cada uno de los visitantes cree su propia historia. «Yo ofrezco el material rodado, pero es el espectador el que tiene que hacer el montaje final. La exposición funciona como una instalación y las piezas forman un relato común», explicó